54 Poznate slike poznatih umjetnika

click fraud protection

Biti poznat umjetnik za svog života nije garancija da će vas se drugi umjetnici sjećati. Jeste li čuli za francuskog slikara Ernesta Meissoniera?

Bio je suvremen s Edouardom Manetom i daleko uspješnijim umjetnikom u pogledu priznanja kritike i prodaje. Točno je i obrnuto, s Vincentom van Goghom. Van Gogh se oslonio na svog brata Thea kako bi mu pružio boju i platno, ali danas njegove slike postižu rekordne cijene kad god izađu na aukciju umjetnina, a njegovo je ime i ime.

Gledajući poznate slike prošlosti i sadašnjosti mogu vas naučiti mnogim stvarima, uključujući sastav i rukovanje bojom. Iako je vjerojatno najvažnija lekcija da biste u konačnici trebali slikati za sebe, a ne za tržište ili potomstvo.

"Noćna straža" - Rembrandt

Noćna straža - Rembrandt
"Noćna straža" Rembrandta. Ulje na platnu. U zbirci Rijksmuseuma u Amsterdamu.Rijksmuseum / Amsterdam

Slika "Noćna straža" Rembrandt je u Rijksmuseum u Amsterdamu. Kao što fotografija pokazuje, to je ogromna slika: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt završio je 1642. godine. Njegov pravi naslov je "Tvrtka Fransa Banninga Cocqa i Willema van Ruytenburcha", ali poznatiji je upravo kao

instagram viewer
Noćna straža. (Četa koja je milicionar).

Sastav slike bio je vrlo različit u tom razdoblju. Umjesto da prikazuje figure na uredan, uredan način, gdje su svi dobili istu istaknutost i prostor na platnu, Rembrandt ih je naslikao kao zauzetu grupu u akciji.

Oko 1715. godine na "Noćnoj straži" naslikan je štit s imenima 18 ljudi, ali samo su neka od imena ikad identificirana. (Dakle, upamtite ako slikate grupni portret: nacrtajte dijagram na poleđini da biste vidjeli imena svih budućih generacije će znati!) U ožujku 2009. nizozemski povjesničar Bas Dudok van Heel napokon je razotkrio misteriju tko je tko u slika. Njegova su istraživanja čak pronašla odjevne predmete i dodatke prikazane u "Noćnoj straži" koja se spominje u popisima obiteljska imanja, koja je potom usporedio s godinama raznih milicajaca 1642. godine, godine na kojoj je slika bila dovršen.

Dudok van Heel također je otkrio da je u dvorani u kojoj je prvi put obješen Rembrandtov "Noćni stražar" ​​bilo šest skupina portreti milicije izvorno prikazani u kontinuiranoj seriji, a ne šest zasebnih slika kao što je to već odavno bilo misao. Umjesto šest grupnih portreta Rembrandta, Pickenoya, Bakkera, Van der Helsta, Van Sandrart-a i Flincka činili su neprekinuti friz koji se podudarao i ugradio u drvene obloge sobe. Ili je to bila namjera. Rembrandtov "Noćni stražar" ​​ne uklapa se u ostale slike ni kompozicijom ni bojom. Čini se da se Rembrandt nije pridržavao uvjeta svoje naloge. Ali tada, da jest, nikada ne bismo imali ovaj zapanjujuće drugačiji grupni portret iz 17. stoljeća.

"Hare" - Albrecht Dürer

Zec ili zec - Albrecht Dürer
Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarel i gvaš, četka, pojačana bijelim gvašem.Muzej Albertina

Službeno nazvan Dürerov zec, službeni naslov ove slike naziva ga zec. Slika se nalazi u stalnoj zbirci Zbirka Batliner od Muzej Albertina u Beču u Austriji.

Slikano je akvarelom i gvašem, s bijelim naglascima izvedenim gvašom (umjesto da je to neobojena bijela boja papira).

To je spektakularan primjer kako se krzno može slikati. Da biste ga oponašali, pristup koji biste primijenili ovisi o tome koliko imate strpljenja. Ako imate oodle, slikati ćete tankom četkom, po jednu kosu. U suprotnom, upotrijebite tehniku ​​suhog četkanja ili podijelite dlačice na četkici. Strpljenje i izdržljivost su bitni. Prebrzo nanesite na mokru boju, a pojedinačni potezi riskiraju miješanje. Ne nastavljajte dovoljno dugo, a krzno će vam se činiti ogoljenim.

Stropna freska Sikstinske kapele - Michelangelo

Sikstinska kapela
Gledano u cjelini, stropna freska Sikstinske kapele neodoljiva je; jednostavno se previše toga može uzeti i čini se nezamislivim da je fresku dizajnirao jedan umjetnik.Franco Origlia / Getty Images

Michelangelova slika stropa Sikstinske kapele jedna je od najpoznatijih freski na svijetu.

Sikstinska kapela velika je kapela u Apostolskoj palači, službenoj rezidenciji Pape (vođe Katoličke crkve) u Vatikanu. U njemu su naslikane brojne freske nekih od najvećih renesansnih imena, uključujući zidne freske Berninija i Raphaela, a najpoznatije je po freskama Michelangela na stropu.

Michelangelo je rođen 6. ožujka 1475. i umro 18. veljače 1564. godine. Po nalogu pape Julija II., Michelangelo je radio na tomestrop Sikstinske kapele od svibnja 1508. do listopada 1512. (nije se radilo između rujna 1510. i kolovoza 1511.). Kapela je svečano otvorena 1. studenog 1512., na blagdan Svih svetih.

Kapela je duga 40,23 metra, široka 13,40 metara, a strop 20,70 metara iznad tla na najvišoj točki1. Michelangelo je naslikao niz biblijskih scena, proroka i Kristovih predaka, kao i trompe l'oeil ili arhitektonske značajke. Glavno područje stropa prikazuju priče iz priča iz knjige Postanka, uključujući stvaranje čovječanstva, pad čovjeka od milosti, potop i Noa.

Strop Sikstinske kapele: detalj

Strop Sikstinske kapele - Michelangelo
Stvaranje Adama možda je najpoznatija ploča u poznatoj Sikstinskoj kapeli. Primijetite da je sastav izvan središta.Fotopress / Getty Images

Panel s prikazom stvaranja čovjeka vjerojatno je najpoznatija scena na poznatoj fresci Michelangela na stropu Sikstinske kapele.

U Sikstinskoj kapeli u Vatikanu naslikano je mnogo fresaka, a najpoznatija je po Michelangelovim freskama na stropu. Opsežnu restauraciju izveli su vatikanski umjetnički stručnjaci između 1980. i 1994. uklanjajući stoljetni dim iz svijeća i prethodnih restauratorskih radova. To je otkrilo boje puno svjetlije nego što se prije mislilo.

Pigmenti koje je Michelangelo koristio uključivali su oker za crvene i žute, željezni silikati za zelje, lapis lazuli za plave i ugljen za crnu.1 Nije sve naslikano toliko detaljno da se prvo pojavi. Primjerice, figure u prvom planu slikane su detaljnije od onih u pozadini, dodajući osjećaj dubine u stropu.

Više o Sikstinskoj kapeli:

• Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela
• Virtualni obilazak Sikstinske kapele

Izvori:
1 Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela, web stranica države Vatikan, pristupljeno 9. rujna 2010.

Bilježnica Leonarda da Vincija

Bilježnica Leonarda da Vincija u muzeju V & A u Londonu
Ova mala bilježnica Leonarda da Vincija (službeno identificirana kao Codex Forster III) nalazi se u muzeju V&A u Londonu.Marion Boddy-Evans / Licenca za About.com, Inc.

Renesansni umjetnik Leonardo da Vinci poznat je ne samo po svojim slikama već i po bilježnicama. Ova fotografija prikazuje jednu u muzeju V&A u Londonu.

Muzej V&A u Londonu u svojoj zbirci ima pet bilježnica Leonarda da Vincija. Ovaj, poznat kao Codex Forster III, koristio je Leonardo da Vinci između 1490. i 1493. godine kada je radio u Milanu za vojvodu Ludovica Sforzu.

To je mala bilježnica, veličine koju biste lako mogli držati u džepu kaputa. Ispunjen je raznim idejama, bilješkama i skicama, uključujući "skice konjskih nogu, crteže kape i odjeća koje su mogle biti ideje za kostime na balovima i prikaz anatomije čovjeka glava. "1 Iako ne možete okretati stranice bilježnice u muzeju, možete ih pregledavati na mreži.

Čitati njegov rukopis nije lako, između kaligrafskog stila i njegove upotrebe ogledala (unatrag, zdesna nalijevo), ali nekima je fascinantno vidjeti kako stavlja sve vrste u jedno bilježnica. To je radna bilježnica, a ne izloga. Ako ste se ikad zabrinuli da vaš časopis za kreativnost nije nekako pravilno izvedeno ili organizirano, preuzmite vodstvo od ovog majstora: učinite to kako vam treba

Izvor:
1. Istražite Forsterove kodekse, V&A muzej. (Pristupljeno 8. kolovoza 2010.)

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Mona Lisa - Leonardo da Vinci
"Mona Lisa" Leonarda da Vincija. Slikano c.1503-19. Uljana boja na drvu. Veličina: 30x20 "(77x53cm). Ova poznata slika sada se nalazi u zbirci pariškog Louvrea.Stuart Gregory / Getty Images

Leonardo da VinciSlika "Mona Lisa", u pariškom Louvreu, nedvojbeno je najpoznatija slika na svijetu. To je vjerojatno i najpoznatiji primjer sfumato, slikarska tehnika djelomično zaslužna za njezin zagonetni osmijeh.

Puno se nagađalo o tome tko je bila žena na slici. Smatra se da je to portret Lise Gherardini, supruge firentinskog trgovca tkaninom zvanog Francesco del Giocondo. (Pisac umjetnosti iz 16. stoljeća Vasari bio je među prvima koji je to predložio u svojim "Životima umjetnika"). Također se sugerira da je razlog njenog osmijeha taj što je bila trudna.

Povjesničari umjetnosti znaju Leonardo je započeo "Mona Lizu" do 1503. godine, kao što ju je te godine zabilježio visoki firentinski dužnosnik Agostino Vespucci. Kad je završio, manje je sigurno. Louvre je sliku izvorno datirao u 1503-06., No otkrića do kojih je došlo 2012. sugeriraju da je možda bila jednaka kao desetljeće kasnije, prije nego što je završen na temelju pozadine koja se temelji na crtežu stijena na kojem je poznato 1510-15.1 Louvre je u ožujku 2012. promijenio datume na 1503-19.

Izvor:
1. Mona Lisa mogla je biti završena desetljeće kasnije nego što je mislio Martin The Bailey, 7. ožujka 2012. u The Art Newspaper (pristupljeno 10. ožujka 2012)

Poznati slikari: Monet iz Givernyja

Monet
Monet sjedi pored ribnjaka s vodenim ljiljanima u svom vrtu u Givernyju u Francuskoj.Arhiva Hulton / Getty Images

Referentne fotografije za slikanje: Monetov "Vrt u Givernyju".

Dio razloga zbog kojeg je impresionistički slikar Claude Monet toliko poznat jesu njegove slike odraza u ribnjacima s ljiljanima koje je stvorio u svom velikom vrtu u Givernyju. Inspirirao je dugi niz godina, sve do kraja njegovog života. Skicirao je ideje za slike nadahnute ribnjacima, a male i velike slike stvarao je i kao pojedinačna djela i kao serije.

Potpis Claudea Moneta

Potpis Claudea Moneta
Potpis Claudea Moneta na svojoj slici Nympheas iz 1904. godine.Bruno Vincent / Getty Images

Ovaj primjer kako je Monet potpisao svoje slike jedan je od njegovih slika lopoča. Možete vidjeti da ga je potpisao imenom i prezimenom (Claude Monet) i godinom (1904). Nalazi se u donjem desnom kutu, dovoljno daleko da ga okvir ne bi odsjekao.

Monetovo puno ime bilo je Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Izlazak sunca - Monet (1872.)
"Impression Sunrise" Moneta (1872.). Ulje na platnu. Približno 18x25 inča ili 48x63 cm. Trenutno u Musée Marmottan Monet u Parizu.Buyenlarge / Getty Images

Ova Monetova slika dala je ime impresionistički stil umjetnosti. Izložio ga je 1874. u Parizu na onome što je postalo poznato kao Prva impresionistička izložba.

U svom osvrtu na izložbu koju je nazvao "Izložba impresionista", umjetnički kritičar Louis Leroy rekao je:

"Pozadina je u embrionalnom stanju gotova od morskog krajolika."

Izvor:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" Louisa Leroya, Le Charivari, 25. travnja 1874., Pariz. Preveo John Rewald u Povijest impresionizma, Moma, 1946, str256-61; citirano u Salon to Biennial: Izložbe koje su stvorile povijest umjetnosti Bruce Altshuler, Phaidon, str42-43.

Serija "Stogovi sijena" - Monet

Serija plastova sijena - Monet - Čikaški institut za umjetnost
Zbirka poznatih slika koja će vas nadahnuti i proširiti vaše umjetničko znanje.Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet je često slikao seriju iste teme kako bi uhvatio promjenjive efekte svjetlosti, mijenjajući platna kako je dan odmicao.

Monet je iznova i iznova slikao mnoge predmete, ali svaka se njegova slika iz serije razlikuje, bilo da se radi o slici lopoča ili plasta sijena. Kako su Monetove slike raštrkane po zbirkama širom svijeta, njegove serije iz serije obično se vide samo kao grupe. Srećom, Umjetnički institut u Chicagu u svojoj kolekciji ima nekoliko Monetovih slika sijena, jer čine impresivne zajedničko gledanje:

  • Stog pšenice
  • Odmrzavanje, zalazak sunca
  • Zalazak sunca, efekt snijega
  • Učinak snijega, dan oblaka
  • Kraj ljeta

U listopadu 1890. Monet je napisao pismo umjetničkom kritičaru Gustavu Geffroyu o nizu sijena koji je slikao rekavši:

"Naporan sam u tome, tvrdoglavo radim na nizu različitih učinaka, ali u ovo doba godine sunce zalazi toliko brzo da je nemoguće pratiti... što dalje, sve više vidim da mora biti učinjeno mnogo posla kako bi se ono što tražim: "trenutačnost", "omotnica" prije svega, ista svjetlost širila po svemu... Sve sam više opsjednut potrebom da prenesem ono što proživim i molim se da mi ostane još nekoliko dobrih godina jer mislim da bih mogao nešto napredovati u tom smjeru... " 1

Izvor:
1. Monet sam od sebe, str. 172, ur. Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.

"Lopoči" - Claude Monet

Poznate slike - Monet
Galerija poznatih slika poznatih umjetnika.Foto: © davebluedevil (Creative Commons Neka prava zadržana)

Claude Monet, "Lopoči", c. 19140-17, ulje na platnu. Veličina 65 3/8 x 56 inča (166,1 x 142,2 cm). U zbirci Muzeji likovne umjetnosti San Francisca.

Monet je možda najpoznatiji od impresionista, posebno po svojim slikama odraza u ribnjaku s ljiljanima u njegovom vrtu u Givernyju. Ova posebna slika prikazuje mali komadić oblaka u gornjem desnom kutu i išarane plave nebe koji se odražavaju u vodi.

Ako proučite fotografije Monetovog vrta, poput ovog Monetovog ribnjaka s ljiljanima i ovog cvijeta ljiljana, i usporedite li ih s ovom slikom, dobit ćete steknite osjećaj kako je Monet smanjio detalje u svojoj umjetnosti, uključujući samo bit scene ili dojam odraza, vode i ljiljana cvijet. Kliknite vezu "Prikaži u punoj veličini" ispod gornje fotografije za veću verziju u kojoj je lakše dobiti osjećaj za Monetovu četku.

Francuski pjesnik Paul Claudel rekao je:

"Zahvaljujući vodi, [Monet] je postao slikar onoga što ne možemo vidjeti. Obraća se toj nevidljivoj duhovnoj površini koja razdvaja svjetlost od refleksije. Prozračni azur u zatočeništvu tekućeg azura... Boja se diže s dna vode u oblacima, u virovima. "

Izvor:
Stranica 262 Umjetnost našeg stoljeća, Jean-Louis Ferrier i Yann Le Pichon

Potpis Camille Pissarro

Potpis poznate impresionističke umjetnice Camille Pissarro
Potpis impresionističke umjetnice Camille Pissarro na njegovoj slici "Pejzaž u blizini Louveciennesa (jesen)" iz 1870. godine.Ian Waldie / Getty Images

Slikar Camille Pissarro obično je manje poznat od mnogih njegovih suvremenika (poput Moneta), ali ima jedinstveno mjesto na vremenskoj traci umjetnosti. Djelovao je i kao impresionist i neoimpresionist, kao i utječući na danas poznate umjetnike poput Cézannea, Van Gogha i Gauguina. Bio je jedini umjetnik koji je izlagao na svih osam Izložbe impresionista u Parizu od 1874. do 1886. godine.

Van Goghov autoportret (1886/1887)

Van Goghov autoportret
Autoportret Vincenta van Gogha (1886/1887). 41x32,5 cm, ulje na umjetničkoj ploči, postavljeno na ploču. U kolekciji Umjetničkog instituta u Chicagu.Jimcchou / Flickr 

Ovaj portret po Vincent van Gogh nalazi se u zbirci Umjetničkog instituta u Chicagu. Naslikana je u stilu sličnom pointilizmu, ali se ne drži strogo samo točaka.

U dvije godine koliko je živio u Parizu, od 1886. do 1888., Van Gogh je naslikao 24 autoportreta. Institut za umjetnost u Chicagu opisao je ovaj postupak kao da Seuratovu "točkastu tehniku" ne koristi kao znanstvenu metodu, već kao "intenzivnu emocionalni jezik "u kojem" crvene i zelene točke uznemiruju i potpuno u skladu s nervoznom napetošću očitom u Van Goghovom pogled. "

U pismu nekoliko godina kasnije svojoj sestri Wilhelmini, Van Gogh je napisao:

"U posljednje vrijeme naslikao sam dvije svoje slike, od kojih jedna ima prilično pravi karakter, mislim, iako bi se u Holandiji vjerojatno rugali idejama o portretnom slikarstvu koje klijaju ovdje... Uvijek mislim da su fotografije gnusne i ne volim ih imati u blizini, posebno ne onih koje poznajem i volim... fotografski portreti uvenu prije nego mi sami, dok je naslikani portret stvar koja se osjeća, radi s ljubavlju ili poštovanjem prema prikazanom čovjeku. "

Izvor:
Pismo Wilhelmini van Gogh, 19. rujna 1889

Potpis Vincenta van Gogha

Vincent van Gogh Potpis u The Night Cafeu
"Noćni kafić" Vincenta van Gogha (1888).Teresa Veramendi / Vincentova žuta

Noćni kafić autora Van Gogha sada je u kolekciji Umjetničke galerije Sveučilišta Yale. Poznato je da je Van Gogh potpisao samo one slike kojima je bio posebno zadovoljan, ali ono što je neobično u slučaju ove slike jest da je ispod svog potpisa dodao naslov "Le café de Nuit".
Primijetite da je Van Gogh svoje slike potpisao jednostavno "Vincent", a ne "Vincent van Gogh" niti "Van Gogh".

U pismu svom bratu Theu, napisanom 24. ožujka 1888, rekao je:

"U budućnosti bi moje ime trebalo staviti u katalog dok ga potpisujem na platnu, naime Vincent, a ne Van Gogh, iz jednostavnog razloga što ovdje ne znaju izgovoriti potonje ime."

"Ovdje" je Arles, na jugu Francuske.
Ako ste se pitali kako izgovorite Van Gogh, sjetite se da je to nizozemsko prezime, a ne francusko ili englesko. Dakle, izgovara se "Gogh", pa se rimuje sa škotskim "loch". Nije "goff" ni "go".

Zvjezdana noć - Vincent van Gogh

Zvjezdana noć - Vincent van Gogh
Zvjezdana noć Vincenta van Gogha (1889). Ulje na platnu, 29x36 1/4 "(73,7x92,1 cm). U kolekciji Moma, New York.Jean-Francois Richard

Ova slika, koja je vjerojatno najpoznatija slika Vincenta van Gogha, nalazi se u zbirci na Muzej moderne umjetnosti u New Yorku.
Van Gogh je slikao Zvjezdana noć u lipnju 1889., spomenuvši jutarnju zvijezdu u pismu svom bratu Theu napisanom oko 2. lipnja 1889.: "Jutros sam vidio zemlju sa mog prozora mnogo vremena prije izlaska sunca, bez ičega osim jutarnje zvijezde, koja je izgledala vrlo velika. "Jutarnja zvijezda (zapravo planet Venera, a ne zvijezda) obično se smatra velikom bijelom bojom naslikanom lijevo od središta slike.
Ranija Van Goghova pisma također spominju zvijezde i noćno nebo i njegovu želju da ih naslika:

1. "Kad ću se uopće odlučiti za zvjezdano nebo, onu sliku koja mi je uvijek u mislima?" (Pismo Emileu Bernardu, oko 18. lipnja 1888.)
2. "Što se tiče zvjezdanog neba, nadam se jako nadati se da ću ga naslikati, a možda to i učinim jednog od ovih dana" (Pismo Theu van Goghu, oko 26. rujna 1888.).
3. "Trenutno apsolutno želim slikati zvjezdano nebo. Često mi se čini da je noć ipak bogatije obojena od dana; imaju nijanse najintenzivnijih ljubičica, plavih i zelenih. Ako samo obratite pažnju na to, vidjet ćete da su neke zvijezde limunsko žute, druge ružičaste ili zelene, plave i nezaboravne... očito je da stavljanje malih bijelih točkica na plavo-crno nije dovoljno za oslikavanje zvjezdanog neba. "(Pismo Wilhelmini van Gogh, 16. rujna 1888.)

Restaurant de la Sirene, u mjestu Asnieres - Vincent van Gogh

"Restoran de la Sirene, kod Asnieresa" - Vincent van Gogh
"Restaurant de la Sirene, at Asnieres" Vincenta van Gogha.Marion Boddy-Evans (2007) / licenca za About.com, Inc.

Ova slika Vincenta van Gogha nalazi se u zbirci muzeja Ashmolean u Oxfordu u Velikoj Britaniji. Van Gogh ju je naslikao ubrzo nakon što je stigao u Pariz 1887. godine da živi sa svojim bratom Theom na Montmartreu, gdje je Theo upravljao umjetničkom galerijom.
Po prvi puta Vincent je bio izložen slikama impresionista (posebno Moneta) i upoznao je umjetnike poput Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard i Pissarro. U usporedbi s njegovim prethodnim djelom, u kojem su dominirali tamni zemljani tonovi tipični za sjevernoeuropske slikare poput Rembrandta, ova slika pokazuje utjecaj ovih umjetnika na njega.
Boje koje je koristio osvijetlile su se i posvijetlile, a njegov rad četkicama postao je rahliji i očitiji. Pogledajte ove detalje sa slike i vidjet ćete kako je koristio male poteze u čistoj boji, izdvojene. Ne miješa boje na platnu, ali dopušta da se to dogodi u očima gledatelja. Isprobava slomljena boja pristup impresionista.
U usporedbi s njegovim kasnijim slikama, trake boja su međusobno razmaknute, a između njih se prikazuje neutralna podloga. Još uvijek ne prekriva cijelo platno zasićenom bojom, niti iskorištava mogućnosti korištenja četkica za stvaranje teksture u samoj boji.

Restaurant de la Sirene, u Asnieresu, Vincent van Gogh (Detalj)

Vincent van Gogh (Muzej Ashmolean)
Pojedinosti iz "The Restaurant de la Sirene, at Asnieres" Vincenta van Gogha (ulje na platnu, Ashmolean Museum).Marion Boddy-Evans (2007) / licenca za About.com, Inc.

Ovi detalji s Van Goghove slike Restaurant de la Sirene u Asnieresu (u zbirci muzeja Ashmolean) pokazuju kako je eksperimentirao sa svojim kistom i kistom nakon izlaganja slikama impresionista i drugih suvremenih Parižana umjetnici.

"Četiri plesača" - Edgar Degas

"Četiri plesača" - Edgar Degas
MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Četiri plesača, c. 1899. Ulje na platnu. Veličina 59 1/2 x 71 inča (151,1 x 180,2 cm). U Nacionalna galerija umjetnosti, Washington.

"Portret majke umjetnika" - Whistler

Slika Whistlerove majke
"Aranžman u sivoj i crnoj boji br. 1, Portret umjetnikove majke" Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera (1834-1903). 1871. 144,3x162,5cm. Ulje na platnu. U zbirci Musee d'Orsay, Pariz.Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Pariz / Francuska

Ovo je vjerojatno najpoznatija Whistlerova slika. Njegov je puni naslov "Aranžman u sivoj i crnoj boji br. 1, Portret majke umjetnika". Njegova je majka pristala pozirati za sliku kad se manekenka Whistler koristila razboljela. U početku ju je zamolio da pozira stojeći, ali kao što vidite popustio je i pustio je da sjedne.
Na zidu je gravura Whistlera "Pristanište crnog lava". Ako vrlo pažljivo pogledate zavjesu gore lijevo na bakropisu vidjet ćete svjetlije mrlje, to je simbol leptira koji je Whistler koristio za potpisivanje svojih slika. Simbol nije uvijek bio isti, ali se promijenio i njegov se oblik koristi za datiranje njegovih umjetničkih djela. Zna se da ga je počeo koristiti do 1869. godine.

"Nada II" - Gustav Klimt

"Nada II" - Gustav Klimt
"Nada II" - Gustav Klimt.Jessica Jeanne / Flickr
"Tko želi znati nešto o meni - kao umjetniku, jedino što je značajno - trebao bi pažljivo pogledati moje slike i pokušati na njima vidjeti što sam i što želim raditi." Klimt.

Gustav Klimt je slikao Nada II na platnu 1907/8. pomoću uljanih boja, zlata i platine. Veličina je 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Slika je dio zbirke Muzej moderne umjetnosti u New Yorku.
Nada II je lijep primjer Klimtova uporaba zlatnog listića na slikama i njegov bogati ornamentalni stil. Pogledajte način na koji je slikao odjevni predmet koji nosi glavna figura, kako je to apstraktni oblik ukrašen krugovima, a mi ga još uvijek 'čitamo' kao ogrtač ili haljinu. Kako se na dnu stapa s tri ostala lica.
U svojoj ilustriranoj Klimtovoj biografiji, umjetnički kritičar Frank Whitford rekao je:

Klimt "je primijenio pravo zlato i srebrni list kako bi još više pojačao dojam da slika je dragocjeni predmet, a ne zrcalo u kojem se može nazrijeti priroda, već pažljivo obrađeni artefakt. " 2

To je simbolika koja se i danas smatra valjanom s obzirom na to da se zlato još uvijek smatra vrijednom robom.
Klimt je živio u Beču u Austriji i inspiraciju je crpio više s Istoka nego sa Zapada, iz "takvih izvora kao Bizantska umjetnost, mikenska obrada metala, perzijski sagovi i minijature, mozaici ravenskih crkava i japanski zasloni. " 3
Izvor:
1. Umjetnici u kontekstu: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993.), zadnja korica.
2. Ibid. p82.
3. MoMA istaknuti događaji (Muzej moderne umjetnosti, New York, 2004.), str. 54

Picassov potpis

Picassov potpis
Picassov potpis na njegovoj slici iz 1903. godine "Portret Angela Fernandeza de Sota" (ili "Pijac apsinta").Oli Scarff / Getty Images

Ovo je potpis Picasso na svojoj slici iz 1903. (iz njegovog Plavog razdoblja) pod naslovom "Popijač apsinta".
Picasso je eksperimentirao s raznim skraćenim verzijama svog imena kao svog slikarskog potpisa, uključujući zaokružene inicijale, prije postavljanja na "Pablo Picasso". Danas ga obično čujemo kao jednostavnog - Picasso.

Njegovo puno ime bilo je: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.

Izvor:
1. "Zbroj razaranja: Picassove kulture i stvaranje kubizma", autorice Natasha Staller. Yale University Press. Stranica p209.

"Pijač apsinta" - Picasso

"Pijač apsinta" - Picasso
Picassova slika iz 1903. "Portret Angela Fernandeza de Sota" (ili "Pijac apsinta").Oli Scarff / Getty Images

Ovu je sliku stvorio Picasso 1903. godine, za vrijeme njegovog Plavog razdoblja (doba kada su tonovi plave boje dominirali Picassovim slikama; kad je imao dvadeset godina). Na njemu se nalazi umjetnik Angel Fernandez de Soto, koji je bio oduševljeniji zabavom i pićem nego njegova slika1, i koji je u dva navrata dijelio studio s Picassom u Barceloni.
Sliku je na dražbu u lipnju 2010. godine dala zaklada Andrew Lloyd Webber nakon što je u SAD-u postignuta izvansudska nagodba o vlasništvu, nakon tvrdnje potomaka njemačko-židovskog bankara Paula von Mendelssohn-Bartholdyja da je slika bila pod prisilom 1930-ih za vrijeme nacističkog režima u Njemačka.

Izvor:
1. Aukcijska kuća Christie's priopćenje za javnost, "Christie's nudi remek-djelo Picasso", 17. ožujka 2010.

"Tragedija" - Picasso

"Tragedija" - Picasso
"Tragedija" - Picasso.MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, Tragedija, 1903. Ulje na drvetu. Veličina 41 7/16 x 27 3/16 inča (105,3 x 69 cm). U Nacionalna galerija umjetnosti, Washington.

To je iz njegova plavog razdoblja, kada je na njegovim slikama, kao što i samo ime govori, dominirao blues.

Skica Picassa za njegovu poznatu sliku "Guernica"

Picassova skica za njegovu sliku Guernica
Picassova skica za njegovu sliku "Guernica".Gotor / Cover / Getty Images

Dok je planirao i radio na svojoj ogromnoj slici Guernica, Picasso je radio mnoge skice i studije. Fotografija prikazuje jednog od njegovih sastav skice, što samo po sebi ne izgleda previše, zbirka črčkanih linija.

Umjesto da pokušavate dešifrirati što bi sve mogle biti i gdje se nalazi na završnoj slici, smatrajte to Picassovim stenografom. Jednostavan izrada oznaka za slike koje je držao u mislima. Usredotočite se na to kako to koristi da odluči gdje će smjestiti elemente na slici, na interakciju između tih elemenata.

"Guernica" - Picasso

"Guernica" - Picasso
"Guernica" - Picasso.Bruce Bennett / Getty Images

Ova poznata Picassova slika ogromna je: 3,5 x 7,76 metara visoka 18 stopa i široka 25 stopa i 8 centimetara. Picasso ga je naslikao po narudžbi za španjolski paviljon na Svjetskom sajmu 1937. u Parizu. Nalazi se u Museo Reina Sofia u Madridu u Španjolskoj.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picassova portretna slika Minguela iz 1901
"Portrait de Mr Minguell" Pabla Picassa (1901). Uljana boja na papiru položenom na platno. Veličina: 52x31,5 cm (20 1/2 x 12 3/8 in).Oli Scarff / Getty Images

Picasso je ovu portretnu sliku napravio 1901. godine kada je imao 20 godina. Tema je katalonski krojač, gospodin Minguell, za kojeg se vjeruje da je Picassa upoznao njegov trgovac umjetninama i prijatelj Pedro Manach1. Stil pokazuje obuku koju je Picasso imao u tradicionalnom slikarstvu i koliko se njegov stil slikanja razvijao tijekom njegove karijere. To što je naslikano na papiru znak je da je to učinjeno u vrijeme kad je Picasso bio slomljen, a još nije zaradio dovoljno novca od svoje umjetnosti da slika na platnu.

Picasso je Minguellu dao na poklon sliku, ali kasnije ju je otkupio i još uvijek je imao kad je umro 1973. godine. Slika je postavljena na platno i vjerojatno također restaurirana pod Picassovim vodstvom "negdje prije 1969."2, kada je fotografiran za knjigu Christiana Zervosa na Picassu.

Sljedeći ćete put biti u jednoj od onih rasprava o večeri o tome kako svi nerealistički slikari samo slikaju sažetak, kubist, favist, impresionist, odaberite svoj stil jer ne mogu napraviti "prave slike", pitajte osobu da li je Picassa stavio u ovu kategoriju (većina ih čini), a zatim spomenite ovu sliku.

Izvor:
1 & 2. Rasprodaja Bonhams 17802 Detalji o zemljištu Prodaja impresionista i moderne umjetnosti 22. lipnja 2010. (Pristupljeno 3. lipnja 2010.)

"Dora Maar" ili "Tête De Femme" - Picasso

"Dora Maar" ili "Tête De Femme" - Picasso
"Dora Maar" ili "Tête De Femme" - Picasso.Peter Macdiarmid / Getty Images

Kada je prodana na aukciji u lipnju 2008., ova Picassova slika prodana je za 7.881.250 funti (15.509.512 američkih dolara). Procjena aukcije bila je tri do pet milijuna funti.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Les Demoiselles d'Avignon Pabla Picassa, 1907. Ulje na platnu, 8 x7 '8 "(244 x 234 cm). Muzej moderne umjetnosti (Moma) New York.Davina DeVries / Flickr 

Ova ogromna Picassova slika (gotovo osam četvornih metara) najavljena je kao jedno od najvažnijih djela moderne umjetnosti ikad stvorene, ako ne the najvažnije, presudna slika u razvoju moderne umjetnosti. Slika prikazuje pet žena - prostitutki u javnoj kući - ali postoji mnogo rasprava o tome što sve znači i svim referencama i utjecajima u njemu.
Likovni kritičar Jonathan Jones1 kaže:

"Ono što je Picassa pogodilo u vezi s afričkim maskama [vidljivo na licima s desne strane] je najočitija stvar: da vas maskiraju, pretvore u nešto drugo - životinju, demona, a bog. Modernizam je umjetnost koja nosi masku. Ne kaže što to znači; to nije prozor već zid. Picasso je svoju temu odabrao upravo zato što je bio kliše: htio je pokazati da originalnost u umjetnosti ne leži u naraciji ili moralu, već u formalnom izumu. Zbog toga je pogrešno gledati Les Demoiselles d'Avignon kao sliku 'o' javnim kućama, prostitutkama ili kolonijalizmu. "

Izvor:
1. Pablo's Punks Jonathan Jones, Čuvar, 9. siječnja 2007.

"Žena s gitarom" - Georges Braque

"Žena s gitarom" - Georges Braque
"Žena s gitarom" - Georges Braque.Neovisni čovjek / Flickr

Georges Braque, Žena s gitarom, 1913. Ulje i ugljen na platnu. 51 1/4 x 28 3/4 inča (130 x 73 cm). U Musee National d'Art Moderne, Centar Georges Pompidou, Pariz.

Crveni studio - Henri Matisse

Crveni studio - Henri Matisse
Crveni studio - Henri Matisse.Liane / Lil'bear / Flickr

Ova slika se nalazi u zbirci Muzej moderne umjetnosti (Moma) u New Yorku. Prikazuje unutrašnjost Matisseova slikarskog studija, s izravnanom perspektivom ili jednom ravninom slike. Zidovi njegova studija zapravo nisu bili crveni, bili su bijeli; za efekt je koristio crvenu boju na svojoj slici.
Izloženi su u njegovom studiju razna njegova umjetnička djela i dijelovi studijskog namještaja. Obrisi namještaja u njegovom ateljeu crte su u boji koja otkriva boju donjeg, žutog i plavog sloja, a nije obojena na vrhu crvene.

1. "Kutne crte sugeriraju dubinu, a plavozeleno svjetlo prozora pojačava osjećaj unutarnjeg prostora, ali prostranstvo crvene izravnava sliku. Matisse pojačava taj efekt, na primjer, izostavljanjem okomite crte ugla sobe. "
- MoMA Highlights, objavio Moma, 2004., stranica 77.
2. "Svi elementi... potopi svoje individualne identitete u ono što je postalo produženom meditacijom o umjetnosti i životu, prostoru, vremenu, percepciji i prirodi same stvarnosti... raskrižje zapadnog slikarstva, gdje je klasična prema van pretežno reprezentativna umjetnost prošlosti susrela privremeni, internalizirani i autoreferencijalni etos budućnosti... "
- Hilary Spurling,, stranica 81.

Ples - Henri Matisse

Slike plesača Matissea
Galerija poznatih slika poznatih umjetnika "Ples" Henrija Matissea (gore) i skica ulja koju je za nju napravio (dolje).Fotografije © Cate Gillon (gore) i Sean Gallup (dolje) / Getty Images

Na gornjoj fotografiji je Matisseova gotova slika s naslovom Ples, dovršen 1910. godine i sada u Državnom muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu, Rusija. Donja fotografija prikazuje kompozicijsku studiju u punoj veličini koju je napravio za sliku, trenutno u MOMA u New Yorku, SAD. Matisse ga je naslikao po narudžbi ruskog kolekcionara umjetnina Sergeja Shchukina.
To je ogromna slika, široka gotovo četiri metra i visoka dva i pol metra (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), a slikana je paletom ograničenom na tri boje: crvenu, zelena i plava. Mislim da je to slika koja pokazuje zašto Matisse ima takvu reputaciju kolorista, posebno kada usporedite studiju sa završnom slikom s njezinim sjajnim figurama.
U svojoj biografiji Matissea (na stranici 30), Hilary Spurling kaže:

"Oni koji su vidjeli prvu verziju Ples opisao je kao blijedu, nježnu, čak i poput snova, obojenu u boje koje su pojačane... u drugoj verziji u žestoki, ravni friz likova od vermiliona koji vibrira na trakama jarko zelene i neba. Suvremenici su sliku vidjeli kao pogansku i dionizijsku ".

Imajte na umu spljoštenu perspektivu, kako su likovi iste veličine, a ne oni koji su udaljeniji od manjih dimenzija, kao što bi se to dogodilo u perspektivi ili rakursom za reprezentativne slike. Kako je linija između plave i zelene iza figura zakrivljena, odjekujući krug figura.

"Površina je bila obojena do zasićenja, do točke u kojoj je odlučno bila prisutna plava, ideja apsolutne plave boje. Svijetlo zelena za zemlju i živahna crvena boja za tijela. S ove tri boje imao sam svoj sklad svjetlosti, a također i čistoću tona. "- Matisse

Izvor:
"Uvod u izložbu From Russian za učitelje i studente", Greg Harris, Kraljevska akademija umjetnosti, London, 2008.

Poznati slikari: Willem de Kooning

Willem de Kooning
Willem de Kooning slika u svom ateljeu u Easthamptonu, Long Island, New York, 1967. godine.Ben Van Meerondonk / Arhiva Hulton / Getty Images

Slikar Willem de Kooning rođen je u Rotterdamu u Nizozemskoj 24. kolovoza 1904., a umro je na Long Islandu u New Yorku 19. ožujka 1997. De Kooning je bio šegrt za komercijalnu umjetnost i dekorativnu tvrtku kada je imao 12 godina i osam je godina pohađao večernju nastavu na Rotterdamskoj akademiji za likovnu umjetnost i tehnike. Emigrirao je u SAD 1926., a 1936. počeo je slikati puno radno vrijeme.

De Kooningov slikarski stil bio je apstraktni ekspresionizam. Prvu samostalnu izložbu imao je u galeriji Charles Egan u New Yorku 1948. godine, s djelom u crno-bijeloj boji emajla. (Počeo je koristiti emajl boju jer si nije mogao priuštiti umjetničke pigmente.) Do 1950-ih bio je prepoznat kao jedan od vođa apstraktnog ekspresionizma, iako su neki puristi tog stila mislili da su njegove slike (kao npr njegova Žena serije) uključuju previše ljudskog oblika.

Njegove slike sadrže mnogo slojeva, elementi koji se preklapaju i skrivaju dok je prerađivao i prerađivao sliku. Promjene se smiju prikazivati. Na svojim je platnima crtao ugljenom opsežno, za početni sastav i dok je slikao. Njegov rad četkicama je gestualno, izražajno, divlje, s osjećajem energije iza poteza. Završne slike bačene, ali nisu.

De Kooningov umjetnički rad obuhvaćao je gotovo sedam desetljeća i obuhvaćao je slike, skulpture, crteže i grafike. Njegove posljednje slike Izvor su krajem 1980-ih. Njegove najpoznatije slike su Ružičasti anđeli (c. 1945), Iskopavanje (1950.), a njegov treći Žena serija (1950–53) rađena u slikarskijem stilu i improvizacijskom pristupu. Četrdesetih godina istodobno je radio u apstraktnom i reprezentacijskom stilu. Njegov je proboj postigao crno-bijelim apstraktnim skladbama 1948–49. Sredinom 1950-ih slikao je urbane apstrakcije, vraćajući se figuraciji 1960-ih, a zatim velikim gestualnim apstrakcijama 1970-ih. Osamdesetih se de Kooning promijenio u rad na glatkim površinama, ostakljujući svijetlim, prozirnim bojama preko fragmenata gestualnih crteža.

Američka gotika - Grant Wood

Američka gotika - Grant Wood
Kustosica Jane Milosch u muzeju američke umjetnosti Smithsonian uz poznatu sliku Granta Wooda nazvanu "Američka gotika". Veličina slike: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Uljna boja na dasci dabra.Shealah Craighead / Bijela kuća / Getty Images

Američka gotika je vjerojatno najpoznatija od svih slika koje je američki umjetnik Grant Wood ikada stvorio. Sada je na Umjetničkom institutu u Chicagu.

Grant Wood naslikao je "Američku gotiku" 1930. Prikazuje muškarca i njegovu kćer (ne njegovu suprugu1) koji stoje ispred njihove kuće. Grant je vidio zgradu koja je nadahnula sliku u Eldonu, Iowa. Arhitektonski stil je američka gotika, gdje slika i dobiva naslov. Modeli za sliku bile su Woodova sestra i njihov zubar.2. Slika je potpisana na donjem rubu, na muškom kombinezonu, s imenom i godinom umjetnika (Grant Wood 1930).

Što znači slika? Wood je to zamišljao kao dostojanstveno prikazivanje lika srednjozapadnih Amerikanaca, pokazujući njihovu puritansku etiku. Ali to bi se moglo smatrati komentarom (satirom) na netrpeljivost seoskog stanovništva prema autsajderima. Simbolika na slici uključuje težački rad (vile) i domaćinske potrebe (saksije za cvijeće i pregača s kolonijalnim tiskom). Ako pažljivo pogledate, vidjet ćete kako tri zuba vila odjekuju u šavovima na čovjekovu kombinezonu, nastavljajući se prugama na košulji.

Izvor:
Američka gotika, Art Institute of Chicago, preuzeto 23. ožujka 2011.

"Krist svetog Ivana od Križa" - Salvador Dali

Krist sv. Ivana od Križa Salvador Dali, zbirka umjetničke galerije Kelvingrove, Glasgow.
Krist sv. Ivana od Križa Salvador Dali, zbirka umjetničke galerije Kelvingrove, Glasgow.Jeff J Mitchell / Getty Images

Ova slika autora Salvador Dali nalazi se u zbirci Umjetnička galerija i muzej Kelvingrove u Glasgowu u Škotskoj. Prvi put je prikazan u galeriji 23. lipnja 1952. Slika je kupljena za 8.200 funti, što se smatralo visokom cijenom iako je uključivala autorska prava koja su galeriji omogućila zaradu za reprodukciju (i prodaju bezbroj razglednica!).
Dali je bilo neobično prodati autorska prava na sliku, ali trebao mu je novac. (Autorska prava ostaju na autoru ako nisu potpisana, vidi Česta pitanja o autorskim pravima izvođača.)

"Očito u financijskim poteškoćama, Dali je u početku tražio 12.000 funti, ali nakon teških nagodbi... prodao ga je za gotovo trećinu manje i potpisao pismo gradu [Glasgowu] 1952. ustupajući autorska prava.

Naslov slike referenca je na crtež koji je nadahnuo Dalija. Crtanje olovkom i tintom izvršeno je nakon vizije koju je imao sveti Ivan od Križa (španjolski karmelski fratar, 1542–1591) u kojoj je vidio Kristovo raspeće kao da ga gleda odozgo. Kompozicija je upečatljiva neobičnim stajalištem o raspeću Kristovom, osvjetljenje je dramatično snažno sjene, i velika upotreba od rakurs na slici. Krajolik na dnu slike je luka Dalijevog rodnog grada, Port Lligat u Španjolskoj.
Slika je u mnogočemu kontroverzna: iznos koji je za nju plaćen; predmet; stil (koji se prije učinio retro, a ne modernim). Pročitajte više o slici na web stranici galerije.

Izvor:
"Nadrealni slučaj slika Dali i bitka za umjetničku licencu"napisao Severin Carrell, Čuvar, 27. siječnja 2009

Campbell-ove konzerve za juhu - Andy Warhol

Limene slike Andyja Warhola u juhi
Limene slike Andyja Warhola u juhi.© Tjeerd Wiersma / Flickr

Detalji od Andyja Warhola Campbellove konzerve za juhu. Akril na platnu. 32 slike svaka veličine 20x16 "(50,8x40,6 cm). U zbirci Muzej moderne umjetnosti (MoMA) u New Yorku.
Warhol je svoju seriju slika Campbellove juhe prvi put izložio 1962. godine, a dno svake slike ležalo je na polici poput limenke u supermarketu. U seriji postoje 32 slike, koliko je sorta juhe u to vrijeme prodala Campbell's.
Ako ste zamislili da Warhol opskrbljuje svoju smočnicu limenkama juhe, a zatim jede limenku dok je završio slikanje, čini se da nije. Prema Mominoj web stranici, Warhol je upotrijebio popis proizvoda iz Campbella kako bi svakoj slici dodijelio drugačiji okus.
Na pitanje o tome, Warhol je rekao:

„Nekad sam ga pio. Nekad sam svaki dan imao isti ručak, dvadeset godina, pretpostavljam, istu stvar uvijek iznova. "1

Warhol također očito nije imao narudžbu u kojoj je želio da se slike prikazuju. Moma prikazuje slike "u redovima koji odražavaju kronološki redoslijed uvođenja [juha], počevši od" Rajčica "u gornjem lijevom kutu, koja je debitirala 1897."

Pa ako slikate seriju i želite da se prikazuju određenim redoslijedom, to negdje zabilježite. Stražnji rub platna vjerojatno je najbolji jer se tada neće odvojiti od slike (iako se može sakriti ako su slike uokvirene).
Warhol je umjetnik kojeg slikari često spominju u želji da naprave izvedena djela. Prije sličnih stvari vrijedi napomenuti dvije stvari:

  1. Na Momina web stranica, postoji naznaka licence Campbell's Soup Co (tj. ugovora o licenciranju između tvrtke za juhu i umjetnikova imanja).
  2. Čini se da je provođenje autorskih prava u Warholovo vrijeme bilo manje problem. Ne pretpostavljajte autorska prava na temelju Warholovog djela. Istražite i odlučite koji ste nivo zabrinutosti zbog mogućeg kršenja autorskih prava.

Campbell nije Warholu naručio da radi slike (premda su ga kasnije naručili za umirovljenog predsjednika odbora 1964.) i imao zabrinutosti kad se marka pojavila na Warholovim slikama 1962. godine, usvojivši pristup čekanja i prosudbe kakav je bio odgovor na slike. 2004., 2006. i 2012. godine Campbell je prodavao limenke s posebnim Warholovim prigodnim etiketama.

Izvor:
1. Kako se citira Moma, pristupljeno 31. kolovoza 2012.

Veća stabla u blizini Wartera - David Hockney

David Hockney Veća stabla u blizini Wartera
David Hockney Veća stabla u blizini Wartera.Vrh: Dan Kitwood / Getty Images. Dno: Foto Bruno Vincent / Getty Images

Vrh: Umjetnik David Hockney stoji uz dio svoje ulje na platnu "Veća drveća u blizini Wartera", koju je poklonio Tate Britainu u travnju 2008.
Dno: Slika je prvi put izložena na Ljetnoj izložbi 2007. godine na Kraljevskoj akademiji u Londonu, zauzimajući cijeli zid.
Ulje na platnu Davida Hockneya "Veća stabla u blizini rata" (također nazvano Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) prikazuje prizor u blizini Bridlingtona u Yorkshiru. Slika izrađena od 50 platna poredanih jedno uz drugo. Skupa, ukupna veličina slike je 4,6x12 metara (40x15 stopa).
U vrijeme kad ga je Hockney slikao, bio je to najveći komad koji je ikad dovršio, iako ne prvi koji je stvorio koristeći više platna.

" To sam učinila jer sam shvatila da to mogu bez ljestava. Kada slikate, morate biti u mogućnosti odstupiti. Pa, postoje umjetnici koji su ubijeni odmičući se s ljestava, zar ne?"
- Hockney citirano u Reuter vijest, 7. travnja 2008.

Hockney se služio crtežima i računalom kako bi pomogao oko kompozicije i slikanja. Nakon završetka dijela snimljena je fotografija kako bi mogao vidjeti cijelu sliku na računalu.

"Prvo je Hockney skicirao mrežu koja pokazuje kako će se scena uklopiti preko 50 ploča. Tada je počeo raditi na pojedinačnim pločama in situ. Dok je radio na njima, fotografirani su i od njih je napravljen računalni mozaik kako bi mogao zacrtati svoj napredak, jer je istovremeno mogao imati samo šest ploča na zidu. "

Izvor:
Charlotte Higgins, Čuvar umjetnički dopisnik, Hockney Tateu daruje ogroman rad, 7. travnja 2008.

Ratne slike Henryja Moorea

Ratna slika Henry Moore
Proširenje ulice Liverpool Street Shelter Perspektive, Henry Moore 1941. Tinta, akvarel, vosak i olovka na papiru.Tate © Reproducirano uz dopuštenje Zaklade Henry Moore

The Izložba Henrya Moorea u galeriji Tate Britain u Londonu trajao je od 24. veljače do 8. kolovoza 2010.

Britanski umjetnik Henry Moore najpoznatiji je po svojim skulpturama, ali poznat i po tinti, vosku i vodene slike ljudi koji su se sklonili u londonske podzemne stanice tijekom Drugog svjetskog rata. Moore je bio službeni ratni umjetnik, a 2010 Izložba Henrya Moorea u galeriji Tate Britain ima sobu posvećenu ovima. Napravljen između jeseni 1940. i ljeta 1941., njegovi prikazi usnulih figura stisnuti u vlaku tuneli su uhvatili osjećaj muke koji je transformirao njegovu reputaciju i utjecao na popularnu percepciju Blitz. Njegovo djelo iz 1950-ih odražavalo je posljedice rata i perspektivu daljnjih sukoba.
Moore je rođen u Yorkshiru i studirao je na umjetničkoj školi u Leedsu 1919. godine, nakon što je služio u Prvom svjetskom ratu. 1921. godine dobio je stipendiju za Royal College u Londonu. Kasnije je predavao na Kraljevskom koledžu, kao i na Umjetničkoj školi Chelsea. Od 1940. Moore je živio u Perry Greenu u Hertfordshireu, sada domu Zaklada Henry Moore. Na bijenalu u Veneciji 1948. Moore je osvojio Međunarodnu nagradu za kiparstvo.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" - Chuck Close
"Frank" - Chuck Close.Tim Wilson / Flickr

"Frank" Chucka Closea, 1969. Akril na platnu. Veličina 108 x 84 x 3 inča (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). U Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Autoportret i Foto portret

Lucian Freud Autoportret
Lijevo: "Autoportret: Odraz", Lucian Freud (2002) 26x20 "(66x50,8cm). Ulje na platnu. Desno: Foto portret snimljen u prosincu 2007.Scott Wintrow / Getty Images

Umjetnik Lucian Freud poznat je po svom intenzivnom, nemilosrdnom pogledu, no kako ovaj autoportret pokazuje, okreće ga sebi, a ne samo svojim modelima.

1. "Mislim da izvrstan portret ima veze s... osjećaj i individualnost te intenzitet pogleda i usredotočenost na određeno. " 1
2. "... moraš se pokušati slikati kao druga osoba. S autoportretima 'sličnost' postaje druga stvar. Moram raditi ono što osjećam, a da ne budem ekspresionist. " 2


Izvor:
1. Lucian Freud, citirano u Freud na djelu str. 32-3. 2. Lucian Freud citirao u Lucianu Freudu William Feaver (Tate Publishing, London 2002), str.

"Otac Mona Lise" - Man Ray

"Otac Mona Lise" Man Raya
"Otac Mona Lise" Man Raya.Neologizam / Flickr

"Otac Mona Lise", Man Ray, 1967. Reprodukcija crteža postavljenog na fiberboard, s dodanom cigaretom. Veličina 18 x 13 5/8 x 2 5/8 inča (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). U zbirci Muzej Hirshorn.
Mnogo ljudi Man Raya povezuje samo s fotografijom, ali on je također bio umjetnik i slikar. Bio je prijatelj s umjetnikom Marcelom Duchampom i radio je u suradnji s njim.
U svibnju 1999. god. Umjetničke vijesti magazin uvrstio je Man Raya na svoj popis 25 najutjecajnijih umjetnika 20. stoljeća zbog njegove fotografije i "istraživanja filma, slikarstva, skulpture, kolaža, asemblaža. Ti bi se prototipi na kraju nazvali umjetnost performansa i konceptualna umjetnost. "

Art News je rekao:

"Man Ray ponudio je umjetnicima u svim medijima primjer kreativne inteligencije koja je, u svojoj" potrazi za užitkom i slobodom "[Man Ray izjavio da je vodilja principi] otključao je sva vrata do kojih je došao i slobodno hodao kamo bi htio. "(Izvor citata: Art News, svibanj 1999.," Namjerni provokator ", AD Coleman.)

Ovaj dio, "Otac Mona Lise", pokazuje kako relativno jednostavna ideja može biti učinkovita. Najteži dio uopće dolazi s idejom; ponekad dolaze kao bljesak nadahnuća; ponekad kao dio mozga ideja; ponekad razvijanjem i slijeđenjem koncepta ili misli.

Poznati slikari: Yves Klein

Yves Klein
 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum

Retrospektiva: Izložba Yvesa Kleina u muzeju Hirshhorn u Washingtonu, SAD, od 20. svibnja 2010. do 12. rujna 2010.

Umjetnik Yves Klein vjerojatno je najpoznatiji po svojim monokromatskim umjetničkim djelima s posebnom plavom bojom (vidi, na primjer, "Živi kist"). IKB ili International Klein Blue ultramarinska je plava koju je formulirao.

Nazvavši sebe "slikarom prostora", Klein je nastojao postići nematerijalnu duhovnost čistom bojom "i bavio se" suvremenim pojmovima konceptualne prirode umjetnosti "1.

Klein je imao relativno kratku karijeru, manje od deset godina. Njegovo prvo javno djelo bila je knjiga umjetnika Yves Peintures ("Yves Paintings"), objavljeno 1954. godine. Njegova prva javna izložba bila je 1955. godine. Preminuo je od srčanog udara 1962. godine u dobi od 34 godine. (Vremenska crta Kleinova života od Arhiva Yvesa Kleina.)

Izvor:
1. Yves Klein: S prazninom, pune moći, muzej Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, pristupljeno 13. svibnja 2010.

"Živa četka za slikanje" - Yves Klein

"Živa četka za slikanje" - Yves Klein
Bez naslova (ANT154) Yves Klein. Pigment i sintetička smola na papiru, na platnu. 102x70in (259x178cm). U zbirci Muzeja moderne umjetnosti u San Franciscu (SFMOMA).David Marwick / Flickr

Ova slika francuskog umjetnika Yves Klein (1928.-1962.) Jedna je od serija koje je upotrijebio "živim kistima". Gole ženske modele prekrivao je svojom potpisom plavom bojom (International Klein Blue, IKB), a zatim u komadu performansa pred publikom koja je njima "slikala" na velikim listovima papira usmjeravajući ih usmeno.
Naslov "ANT154" izveden je iz komentara umjetničkog kritičara Pierrea Restanyja koji opisuje slike nastale kao "antropometrije plavog razdoblja". Klein je koristio kraticu ANT kao seriju titula.

Crna slika - Ad Reinhardt

Crna slika Ad Reinhardta
Crna slika Ad Reinhardta.Amy Sia / Flickr
"Nešto nije u redu, neodgovorno i bezumno u boji; nešto nemoguće kontrolirati. Kontrola i racionalnost dio su mog morala. " - Ad Reinhard 1960. godine 1

Ova jednobojna slika američkog umjetnika Ad Reinhardta (1913.-1967.) Nalazi se u Muzeju moderne umjetnosti (Moma) u New Yorku. Veličina je 60x60 "(152,4x152,4cm), ulje na platnu, a slikana je 1960.-61. Posljednje desetljeće i malo svog života (umro je 1967.), Reinhardt je na svojim slikama koristio samo crnu boju.
Amy Sia, koji je fotografirao, kaže da sudski poslužitelj ističe kako je slika podijeljena na devet kvadrata, svaki s različitim nijansama crne.
Ne brinite ako to ne možete vidjeti na fotografiji. Teško je to vidjeti čak i kad ste ispred slike. U njoj esej o Reinhardtu za Guggenheima, Nancy Spector opisuje Reinhardtova platna kao "prigušene crne kvadrate koji sadrže jedva uočljive križne oblike [koji] izazivaju granice vidljivosti" 2.
Izvor:
1. Boja u umjetnosti John Gage, str
2. Reinhardt Nancy Spector, Muzej Guggenheim (pristupljeno 5. kolovoza 2013)

Londonska slika John Virtue

Slikarstvo Ivana Vrline
Bijela akrilna boja, crna tinta i šelak na platnu. U zbirci Nacionalne galerije u Londonu.Jacob Appelbaum / Flickr

Britanski umjetnik John Virtue slikao je apstrahirane krajolike samo crno-bijelo od 1978. godine. Na DVD-u koji je proizvela Londonska nacionalna galerija, Vrlina kaže da ga rad u crno-bijeloj tehnici prisiljava "da bude inventivan... da ponovno izmisli". Izbjegavanje boje "produbljuje se moj osjećaj o tome koja boja postoji... Smisao zapravo o onome što vidim... najbolji je i precizniji i precizniji ako nemam paletu ulja boja. Boja bi bila slijepa ulica. "
Ovo je jedna od londonskih slika Johna Virtuea, rađena dok je bio suradnik umjetnika u Nacionalnoj galeriji (od 2003. do 2005.). The Web stranica Nacionalne galerije opisuje slike Vrline kao da "imaju sličnosti s orijentalnim slikanjem kista i američkim apstraktnim ekspresionizmom" i blisko se odnose na "veliki engleski slikari krajolika, Turner i Constable, kojima se Vrlina neizmjerno divi ", kao i pod utjecajem" nizozemskih i flamanskih krajolika Ruisdaela, Konincka i Rubens ".
Vrlina njegovim slikama ne daje naslove, već samo brojeve. U intervjuu u izdanju časopisa iz travnja 2005 Umjetnici i ilustratori Časopis, Virtue kaže da je svoj rad počeo kronološki numerirati davne 1978. godine kada je počeo raditi monokromno:

"Ne postoji hijerarhija. Nije važno je li 28 stopa ili tri inča. To je neverbalni dnevnik mog postojanja. "

Njegove slike nazivaju se samo "Pejzaž br. 45" ili "Krajolik br. 630" i tako dalje.

Kanta za umjetnost - Michael Landy

Izložba Michael Landy Art Bin u galeriji South London
Fotografije izložbi i poznatih slika kako biste proširili svoje umjetničko znanje. Fotografije s izložbe "Art Bin" Michaela Landyja u galeriji South London. Vrh: Stajanje pored kante stvarno daje osjećaj razmjera. Dno lijevo: Dio umjetnosti u kanti. Dolje desno: Teška slika u okvirima koja će uskoro postati smeće.Fotografija © 2010 Marion Boddy-Evans. Licencirano za About.com, Inc.

Izložba Art Bin umjetnika Michaela Landyja održala se u Galerija Južni London od 29. siječnja do 14. ožujka 2010. Koncept je enorman (600m3) kanta za smeće ugrađena u prostor galerije, u kojoj se umjetnost baca, "spomenik kreativnom neuspjehu"1.
Ali ne bilo koja stara umjetnost; morali ste se prijaviti da svoju umjetnost bacite u kantu, bilo putem interneta ili u galeriji, a Michael Landy ili jedan od njegovih predstavnika odlučivali su da li se ona može uključiti ili ne. Ako se prihvati, bačen je u kantu s tornja s jednog kraja.

Kad sam bio na izložbi, bačeno je nekoliko komada i osoba koja je bacala imala je puno vježbe od načina na koji je uspio natjerati jednu sliku da klizi točno s druge strane kontejner.
Interpretacija umjetnosti kreće putem kada / zašto se umjetnost smatra dobrom (ili smećem), subjektivnosti u vrijednost koja se pripisuje umjetnosti, činu sakupljanja umjetnosti, moći kolekcionara umjetnina i galerija da naprave ili slome umjetnika karijere.

Svakako je bilo zanimljivo hodati po stranama gledajući što je ubačeno, što se polomilo (puno komadića polistirena), a što nije (većina slika na platnu bila je cijela). Negdje na dnu nalazio se veliki otisak lubanje ukrašen staklom Damiena Hirsta i komad Tracey Emin. U konačnici, ono što bi moglo biti reciklirano (na primjer nosila za papir i platno), a ostatak predodređen za odlazak na odlagalište. Pokopan kao smeće, arheolog vjerojatno neće stoljećima iskopati.

Izvor:
1&2. # Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), web mjesto galerije South London, pristupljeno 13. ožujka 2010.

Barack Obama - Shepard Fairey

Barack Obama - Shepard Fairey
"Barack Obama" Sheparda Faireyja (2008). Šablona, ​​kolaž i akril na papiru. 60x44 inča. Nacionalna galerija portreta, Washington DC. Poklon kolekcije vrijeska i tonija Podeste u čast Marije K Podeste.Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Ovu sliku američkog političara Baracka Obame, miješani medijski šablonski kolaž, stvorio je ulični umjetnik sa sjedištem u Los Angelesu, Shepard Fairey. Bila je to središnja portretna slika korištena u Obaminoj predsjedničkoj izbornoj kampanji 2008. godine, a distribuirana je u ograničenom izdanju i besplatnom preuzimanju. Sada se nalazi u Nacionalnoj galeriji portreta u Washingtonu DC.

1. "Da bi stvorio svoj Obamin poster (što je i učinio za manje od tjedan dana), Fairey je s interneta dohvatio fotografiju kandidata s vijestima. Tražio je Obamu koji je izgledao predsjednički... Zatim je umjetnik pojednostavio linije i geometriju, upotrijebivši crvenu, bijelu i plavu domoljubnu paletu (s kojom se poigrava čineći bijelu bež, a plavu pastelnu nijansu)... podebljane riječi ...
2. "Njegovi Obamini plakati (i mnoštvo njegovih komercijalnih i likovnih djela) prerađuju su tehnike revolucionarni propagandisti - svijetle boje, podebljana slova, geometrijska jednostavnost, herojske poze. "

Izvor: ​
"Obamina podrška na zidu" Autor William Booth, Washington Post 18. svibnja 2008.

"Requiem, bijele ruže i leptiri" - Damien Hirst

Damien Hirst Bez ljubavi izgubljene slike u ulju u kolekciji Wallace
"Requiem, bijele ruže i leptiri" Damiena Hirsta (2008). 1500 x 2300 mm. Ulje na platnu. Ljubaznost Damien Hirst i kolekcija Wallace.Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

Britanski umjetnik Damien Hirst najpoznatiji je po životinjama sačuvanim u formaldehidu, ali u ranim 40-ima vratio se u ulje na platnu. U listopadu 2009. godine prvi je put u Londonu izložio slike nastale između 2006. i 2008. godine. Ovaj primjer još nepoznate slike slavnog umjetnika potječe iz njegove izložba u kolekciji Wallace u Londonu pod nazivom "No Love Lost". (Datumi: 12. listopada 2009. do 24. siječnja 2010.)
BBC vijesti citirao je Hirsta.

"Sada slika isključivo ručno", da su dvije godine njegove "slike bile neugodne i nisam htio bilo tko da uđe. "i da je" morao ponovno naučiti slikati prvi put otkako je bio tinejdžerska umjetnost student."1

U priopćenju za medije uz Wallaceovu izložbu stoji:

"" Plave slike "svjedoče o smjelom novom smjeru u njegovom radu; niz slika koje su umjetnikovim riječima "duboko povezane s prošlošću". "

Stavljanje boje na platno zasigurno je novi smjer za Hirst, a tamo gdje Hirst ide, studenti umjetnosti vjerojatno će to slijediti. Ulje na platnu moglo bi ponovno postati moderno.
Laura Porter, voditeljica About London Travel, otišla je na tiskovni pregled Hirstove izložbe i dobila odgovor na jedno pitanje koje sam željela znati: Koje je plave pigmente koristio?

Lauri je rečeno da je "Prusko plavo za sve osim jedne od 25 slika koja je crna. "Nije ni čudo što je tako tamna, tinjajuća plava!
Likovni kritičar Adrian Searle iz Čuvar nije bio baš povoljan za Hirstove slike:

"U najgorem slučaju, Hirstov crtež izgleda samo amaterski i adolescentno. Njegovom četkanju nedostaje onog smisla i poteškoće zbog kojih vjerujete u slikarove laži. Još to ne može nositi. "2

Izvor:
1 Hirst 'odustaje od ukiseljenih životinja', BBC News, 1. listopada 2009
2. "Slike Damiena Hirsta smrtno su tupe, "Adrian Searle, Čuvar, 14. listopada 2009.

Poznati umjetnici: Antony Gormley

Poznati umjetnici Antony Gormley, tvorac Anđela Sjevera
Umjetnik Antony Gormley (u prvom planu) prvog dana svog umjetničkog djela instalacije četvrtog postolja na Trafalgar Squareu u Londonu.Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley britanski je umjetnik možda najpoznatiji po svojoj skulpturi Angel of the North, otkrivenoj 1998. godine. Stoji u Tynesideu, na sjeveroistoku Engleske, na mjestu koje je nekada bilo vojno-kopalište, dočekujući vas svojim 54 metra širokim krilima.
U srpnju 2009. Gormleyjeva instalacijska umjetnička djela na Četvrtom postolju na Trafalgar Squareu u Londonu vidjela su volontera kako stoji 100 sati na postolju 24 sata dnevno. Za razliku od ostalih postolja na Trafalgar Squareu, četvrti postolje neposredno ispred Nacionalne galerije na sebi nema stalni kip. Neki od sudionika bili su i sami umjetnici i skicirali su svoje neobično stajalište (fotografija).
Antony Gormley rođen je 1950. u Londonu. Studirao je na raznim fakultetima u Velikoj Britaniji, a budizam u Indiji i na Šri Lanki, prije nego što se usredotočio na kiparstvo na Slade School of Art u Londonu između 1977. i 1979. Njegova prva samostalna izložba bila je u Umjetničkoj galeriji Whitechapel 1981. godine. Gormley je 1994. godine osvojio Turnerovu nagradu sa svojim "Poljem za Britanske otoke".
Njegova biografija o njegovom web stranica kaže:

... Antony Gormley revitalizirao je ljudsku sliku u skulpturi radikalnim istraživanjem tijela kao mjesta sjećanja i transformacije, koristeći vlastito tijelo kao subjekt, alat i materijal. Od 1990. godine proširio je svoju zabrinutost na ljudsko stanje na istraživanje kolektivnog tijela i odnosa između sebe i drugih u velikim instalacijama ...

Gormley ne stvara tip lika kakav radi jer ne može raditi statue u tradicionalnom stilu. Umjesto toga uživa u razlici i sposobnosti koju nam daju da ih protumačimo. U intervjuu za Vrijeme1, On je rekao:

"Tradicionalni kipovi ne odnose se na potencijal, već na nešto što je već gotovo. Oni imaju moralni autoritet koji je opresivniji, a ne suradnički. Moja djela priznaju njihovu prazninu. "

Izvor:
Antony Gormley, čovjek koji je slomio plijesan John-Paul Flintoff, The Times, 2. ožujka 2008.

Poznati suvremeni britanski slikari

Suvremeni slikari
Suvremeni slikari.Peter Macdiarmid / Getty Images

S lijeva na desno, umjetnici Bob i Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakei Alison Watt.
Povod je bilo gledanje slike Diana i Actaeon Tiziana (neviđeno, slijeva slijeva) u Nacionalnoj galeriji u Londonu, s ciljem prikupljanja sredstava za kupnju slike za galeriju.

Poznati umjetnici: Lee Krasner i Jackson Pollock

Lee Krasner i Jackson Pollock
Lee Krasner i Jackson Pollock u istočnom Hamptonu, ca. 1946. Fotografija 10x7 cm. Jackson Pollock i Lee Krasner, radovi, ca. 1905-1984. Arhiva američke umjetnosti, Smithsonian Institution.Ronald Stein / Jackson Pollock i Lee Krasner Papers

Od ova dva slikara, Jackson Pollock je poznatiji od Lee Krasner, ali bez njezine podrške i promocije njegovih umjetničkih djela možda neće imati mjesta na vremenskoj traci umjetnosti koju ima. Oboje slikani u apstraktnom ekspresionističkom stilu. Krasner se borila za priznanje kritike, umjesto da je samo smatraju Pollockovom ženom. Krasner je ostavio nasljedstvo za uspostavljanje Zaklada Pollock-Krasner, koja daje potpore vizualnim umjetnicima.

Lestvičasti štafelaj Louis Aston Knight

Louis Aston Knight i njegov ljestvičasti štafelaj
Louis Aston Knight i njegov stalak na ljestvama. c.1890 (Neidentificirani fotograf. Crno-bijeli fotografski ispis. Dimenzije: 18cmx13cm. Zbirka: Charles Scribner's Sons Art Reference Odjela za umjetnost, c. 1865-1957).Arhiva američke umjetnosti / Smithsonian Institution

Louis Aston Knight (1873. - 1948.) bio je američki umjetnik rođen u Parizu poznat po svojim pejzažnim slikama. U početku je trenirao kod svog oca umjetnika Daniela Ridgwaya Knighta. Prvi je put izlagao u Francuskom salonu 1894. godine, a nastavio je to činiti tijekom cijelog života, a istovremeno je stekao priznanje u Americi. Njegova slika Naknadni sjaj kupio ga je 1922. američki predsjednik Warren Harding za Bijelu kuću.
Ova fotografija iz Arhiva američke umjetnosti, nažalost, ne daje nam lokaciju, ali morate misliti da će svaki umjetnik voljan ući u nju voda je s njegovim štafelajnim ljestvama i bojama bila ili posvećena promatranju prirode ili sasvim zabavljač.

1897: Čas likovne kulture za žene

William Merritt Chase Art Class
Čas likovne umjetnosti za žene s instruktorom Williamom Merrittom Chaseom.Arhiva američke umjetnosti / Smithsonian Institution.

Ova fotografija iz 1897 Arhiva američke umjetnosti prikazuje ženski sat likovne kulture s instruktorom Williamom Merrittom Chaseom. U to doba muškarci i žene odvojeno su pohađali satove umjetnosti, gdje su, s vremenom, žene imale sreću da su uopće mogle steći likovno obrazovanje.

Umjetnička ljetna škola c.1900

Ljetna umjetnička škola 1900
Ljetna umjetnička škola 1900.Arhiva američke umjetnosti / Smithsonian Institute

Studenti umjetnosti na ljetnim časovima škole likovnih umjetnosti St Paul, Mendota, Minnesota, fotografirani su oko 1900. godine s učiteljem Burtom Harwoodom.
Na stranu moda, veliki sunčanici su vrlo praktični za njih slikanje na otvorenom jer vam sprječava sunce u očima i sprječava da vam lice izgori (kao i vrh s dugim rukavima).

"Nelsonov brod u boci" - Yinka Shonibar

Nelsonov brod u boci na četvrtom postolju na Trafalgar Squareu - Yinka Shonibar
Nelsonov brod u boci na četvrtom postolju na Trafalgar Squareu Yinke Shonibar.Dan Kitwood / Getty Images

Ponekad je skala umjetničkog djela koja daje dramatičan utjecaj, daleko više od teme. "Nelsonov brod u boci" Yinke Shonibar takav je komad.

"Nelsonov brod u boci" Yinke Shonibar brod je visok 2,35 metara unutar još više boce. Riječ je o kopiji vodećeg broda viceadmirala Nelsona, HMS, u mjerilu 1:29 Pobjeda.
"Nelsonov brod u boci" pojavio se na Četvrtom postolju na Trafalgar Squareu u Londonu 24. svibnja 2010. Četvrti postolje prazan je bio od 1841. do 1999. godine, kada je nastalo prvo iz niza suvremenih umjetničkih djela, posebno naručenih za postolje Četvrta grupa za puštanje u rad plinta.
Umjetničko djelo prije "Nelsonovog broda u boci" bilo je Jedno i drugo Antonyja Gormleyja, u kojem je druga osoba stajala na postolju sat vremena, oko sata, 100 dana.
Od 2005. do 2007. mogli ste vidjeti skulpturu Marca Quinna, Alison Lapper Trudna, a od studenog 2007. godine to je bio Model za hotel 2007. autora Thomas Schutte.
Dizajn batika na jedrima "Nelsonovog broda u boci" umjetnik je otisnuo rukom na platnu, nadahnut tkaninom iz Afrike i njezinom poviješću. Boca je dimenzija 5x2,8 metara, izrađena je od perspexa, a ne od stakla, a otvor boce je dovoljno velik da se može popeti unutra za izgradnju broda.

Format

mlaapačikago

Vaš citat

Boddy-Evans, Marion. "54 poznate slike izrađenih od poznatih umjetnika." ThoughtCo, ožujak 18, 2021, thinkco.com/photo-gallery-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021., 18. ožujka). 54 Poznate slike poznatih umjetnika. Preuzeto iz https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 poznate slike izrađenih od poznatih umjetnika." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (pristupljeno 29. ožujka 2021.).

ThoughtCo koristi kolačiće kako bi vam pružio izvrsno korisničko iskustvo. Korištenjem ThoughtCo-a prihvaćate naše

instagram story viewer